낭만의 지도 · 02

노래가 실내악이 되는 순간

슈베르트의 여름과 피아노 5중주 《송어》

가수 한 사람이 부르던 노래는 어떻게 다섯 악기의 기억이 되었을까요. 익숙한 〈송어〉 선율이 악기 사이를 건너는 순간을 따라갑니다.

4악장이 시작될 때, 피아노 앞의 연주자는 손을 내려놓고 기다립니다.

피아노 5중주인데 피아노는 첫 문장을 연주하지 않습니다. 바이올린이 조용히 선율을 꺼내고, 비올라와 첼로, 더블베이스가 그 아래에 자리를 만듭니다. 우리가 〈송어〉라는 이름으로 알고 있는 노래입니다. 하지만 가사는 들리지 않고, 가곡에서 물처럼 움직이던 피아노 반주도 아직 없습니다.

남아 있는 것은 선율뿐입니다.

그 선율은 잠시 뒤 피아노로, 비올라로, 첼로와 더블베이스로 옮겨 갑니다. 같은 노래인데 누가 들려주느냐에 따라 몸의 무게와 말투가 달라집니다.

한 사람의 목소리로 태어난 노래는 어떻게 다섯 사람의 음악이 되었을까요?

《송어》는 처음부터 제목이 아니었습니다

프란츠 슈베르트의 피아노 5중주 A장조 D.667은 오늘날 《송어》로 불립니다. 그러나 슈베르트가 악보에 붙인 표제는 아닙니다.

1829년 출판된 초판에는 피아노·바이올린·비올라·첼로·더블베이스를 위한 ‘대5중주’라고 적혀 있습니다. 《송어》라는 이름은 4악장에서 슈베르트가 자신의 가곡 〈송어〉 D.550을 변주한 데서 굳어졌습니다.

이 구분은 생각보다 중요합니다. 다섯 악장 전체가 송어의 움직임이나 물가의 풍경을 묘사하는 것은 아니기 때문입니다. 노래와 직접 만나는 곳은 4악장입니다. 나머지 네 악장은 물고기의 줄거리를 준비하거나 마무리하는 장면이 아니라, 다섯 악기가 자신들의 관계를 만들어 가는 독립된 음악입니다.

먼저 한 사람의 노래가 있었습니다

가곡 〈송어〉 D.550은 크리스티안 프리드리히 다니엘 슈바르트의 시에 붙인 노래입니다.

맑은 시냇물에서 송어가 빠르게 헤엄칩니다. 낚시꾼이 나타나지만 화자는 물이 맑은 동안에는 송어를 잡지 못하리라 생각합니다. 그러자 낚시꾼은 물을 흐려 송어의 시야를 빼앗고 마침내 낚아 올립니다.

피아노의 빠른 여섯잇단음형은 맑은 물과 송어의 움직임을 떠올리게 합니다. 그러나 물이 흐려지는 세 번째 연에서는 화성과 리듬의 표정이 어두워지고, 앞서 지속되던 피아노의 질감도 일시적으로 끊기며 달라집니다. 처음의 음악이 돌아와도 이야기는 이전으로 돌아가지 않습니다. 송어는 이미 잡혔습니다.

5중주에서 이 줄거리는 다섯 악기의 배역으로 옮겨지지 않습니다. 가사 없는 기악 변주에는 노래의 선율이 남고, 누가 그 선율을 이어받는지가 새로운 이야기가 됩니다.

1819년 여름, 노래가 다른 도시로 갔습니다

1819년 여름, 스물두 살의 슈베르트는 성악가 요한 미하엘 포글과 오스트리아 상부의 도시 슈타이어를 찾았습니다. 포글은 슈베르트 가곡의 중요한 해석자였고, 고향의 음악 애호가들에게 젊은 작곡가를 소개했습니다.

슈타이어는 슈타이어강과 엔스강이 만나는 도시입니다. 슈베르트는 편지에서 이곳 주변의 아름다움을 전했고, 현지에서는 그의 노래를 알고 연주하는 사람들을 만났습니다.

슈베르트의 친구 알베르트 슈타들러가 1858년에 남긴 회고에 따르면, 음악 후원자 질베스터 파움가르트너는 〈송어〉 변주를 포함하고 훔멜 작품과 비슷한 편성의 5중주를 원했습니다. 현존 필사 파트가 그의 집에서 열린 사적 연주에 쓰였을 가능성은 크지만, 이를 확인할 당대 초연 기록은 없습니다. 정확한 작곡 날짜·장소와 첫 연주자도 확인되지 않으므로, 작품은 1819년경 쓰였다고 하는 편이 안전합니다.

포글의 소개로 슈베르트는 슈타이어의 음악 애호가들을 만났고, 파움가르트너의 요청은 5중주의 계기가 되었다고 전합니다. 슈타들러가 필사한 파트는 이 음악이 사적인 연주와 손으로 베낀 악보를 통해 유통되던 흔적을 남깁니다.

두 번째 바이올린 대신 더블베이스

오늘날 피아노 5중주라고 하면 흔히 피아노와 현악4중주, 곧 두 대의 바이올린과 비올라, 첼로를 떠올립니다. 《송어》에는 두 번째 바이올린이 없습니다. 그 자리에 더블베이스가 있습니다.

이 한 자리의 변화가 전체 음향의 가능성을 바꿉니다. 더블베이스가 가장 낮은 음역을 맡는 여러 대목에서 첼로는 중음역의 선율로 더 자유롭게 움직일 수 있습니다. 피아노도 두꺼운 저음을 계속 담당하기보다 높은 음역에서 빛나는 움직임을 만들 여지를 얻습니다. 실제 균형은 악기와 연주 방식에 따라 달라집니다.

이 편성의 핵심은 역할의 균등 배분보다 음역의 재배치에 있습니다. 더블베이스가 저음을 맡는 동안 첼로가 중음역의 선율로 움직이고, 피아노가 그 위에 빠른 움직임을 더하는 대목을 들어보세요.

손과 숨 — 긴 울림과 짧은 울림 사이

이번 호의 전곡 영상으로는 Schubert Ensemble의 2018년 Wigmore Hall 실황을 골랐습니다. 해설 없이 다섯 악장 전체를 들을 수 있고, 다섯 연주자가 서로를 바라보며 다음 문장을 건네는 모습도 함께 볼 수 있습니다.

플레이어가 보이지 않으면 YouTube에서 공식 전곡 공연을 바로 들을 수 있습니다.

먼저 4악장이 시작되는 20:38부터 들어보세요. 피아노가 쉬는 동안 현악기만으로 주제가 얼마나 담백하게 놓이는지, 그리고 피아노가 들어온 뒤 공간의 밝기가 어떻게 달라지는지 들을 수 있습니다.

현대 그랜드피아노의 긴 울림은 현악과 풍성하게 섞이지만, 비올라와 첼로의 중음역을 덮을 수도 있습니다. Steven Lubin과 Academy of Ancient Music Chamber Ensemble의 시대악기 음반에서는 포르테피아노의 음이 더 빨리 사라져 성부의 경계가 더 선명하게 들릴 수 있습니다. 이는 1819년의 소리를 완전히 복원한다는 뜻이 아닙니다.

차이는 우열보다 청취의 초점에 있습니다. Schubert Ensemble에서는 울림이 섞이는 시간을, Lubin 음반에서는 성부가 갈라지는 순간을 먼저 들어보세요.

3분 안의 귀의 지도

Schubert Ensemble 공식 전곡 영상 기준

전곡과 비교 음원